Perspective linéaire en peinture. Principaux secrets
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La grande majorité des peintures et des fresques des 500 dernières années ont été créées selon les règles de la perspective linéaire. C'est elle qui aide à transformer l'espace 2D en une image 3D. C'est la principale technique par laquelle les artistes créent l'illusion de profondeur. Mais loin d'être toujours, les maîtres ont suivi toutes les règles de la construction en perspective.
Jetons un coup d'œil à quelques chefs-d'œuvre et voyons comment les artistes ont construit l'espace à travers la perspective linéaire à différents moments. Et pourquoi enfreignaient-ils parfois certaines de ses règles.
Léonard de Vinci. Le dernier souper
Pendant la Renaissance, les principes de la perspective linéaire directe ont été développés. Si auparavant les artistes construisaient l'espace intuitivement, à l'œil nu, alors au XVe siècle, ils ont appris à le construire mathématiquement avec précision.
Léonard de Vinci à la fin du XVe siècle savait déjà parfaitement construire l'espace sur un avion. Sur sa fresque "La Cène" on le voit. Les lignes de perspective sont faciles à tracer le long des lignes du plafond et des rideaux. Ils se connectent à un point de fuite. Par le même point passe la ligne d'horizon ou la ligne des yeux.
Lorsque l'horizon réel est représenté sur l'image, la ligne des yeux passe juste à la jonction du ciel et de la terre. En même temps, c'est le plus souvent dans la zone des visages des personnages. Tout cela s'observe dans la fresque de Léonard.
Le point de fuite se situe dans la zone du visage du Christ. Et la ligne de l'horizon passe à travers ses yeux, ainsi qu'à travers les yeux de certains des apôtres.
Il s'agit d'une construction classique de l'espace, construite selon les règles de la perspective linéaire DIRECTE.
Et cet espace est centré. La ligne d'horizon et la ligne verticale passant par le point de fuite divisent l'espace en 4 parties égales ! Cette construction reflétait la vision du monde de cette époque avec un fort désir d'harmonie et d'équilibre.
Par la suite, une telle construction se produira de moins en moins. Pour les artistes, cela semblera une solution trop simple. Ils bsoufflez et déplacez la ligne verticale avec le point de fuite. Et élever ou abaisser l'horizon.
Même si nous prenons une copie de l'œuvre de Raphael Morgen, créée au tournant des XVIIIe-XIXe siècles, nous verrons qu'il ne pouvait pas ... supporter une telle centricité et décaler la ligne d'horizon plus haut!
Mais à cette époque, construire un espace comme celui de Léonard était une percée incroyable dans la peinture. Quand tout est vérifié avec précision et perfection.
Voyons donc comment l'espace était représenté avant Léonard. Et pourquoi sa "Cène" semblait quelque chose de spécial.
fresque antique
Les artistes anciens ont représenté l'espace intuitivement, en utilisant la soi-disant perspective d'observation. C'est pourquoi nous voyons des erreurs évidentes. Si nous traçons des lignes de perspective le long des façades et des surfaces, nous trouverons jusqu'à trois points de fuite et trois lignes d'horizon.
Idéalement, toutes les lignes devraient converger en un point situé sur la même ligne d'horizon. Mais comme l'espace a été construit de manière intuitive, sans connaître la base mathématique, cela s'est passé comme ça.
Mais on ne peut pas dire que ça fait mal aux yeux. Le fait est que tous les points de fuite sont sur la même ligne verticale. L'image est symétrique et les éléments sont presque les mêmes des deux côtés de la verticale. C'est ce qui rend une fresque équilibrée et esthétiquement belle.
En fait, une telle image de l'espace est plus proche de la perception naturelle. Après tout, il est difficile d'imaginer qu'une personne puisse regarder le paysage urbain d'un point, immobile. Ce n'est qu'ainsi que nous pourrons voir ce que la perspective linéaire mathématique nous offre.
Après tout, vous pouvez regarder le même paysage debout, assis ou depuis le balcon de la maison. Et puis la ligne d'horizon est soit plus basse soit plus haute... C'est ce que l'on observe sur une fresque antique.
Mais entre la fresque antique et la Cène de Léonard, il y a une grande couche d'art. Iconographie.
L'espace sur les icônes était représenté différemment. Je propose de jeter un œil à la "Sainte Trinité" de Rublev.
Andreï Roublev. La Sainte Trinité.
En regardant l'icône de Rublev "Holy Trinity", nous remarquons immédiatement une caractéristique. Les objets au premier plan ne sont clairement PAS dessinés selon les règles de la perspective linéaire directe.
Si vous dessinez des lignes de perspective sur le repose-pieds gauche, elles se connecteront bien au-delà de l'icône. C'est ce qu'on appelle la perspective linéaire INVERSE. Lorsque le côté éloigné de l'objet est plus large que celui le plus proche du spectateur.
Mais les lignes de perspective du stand de droite ne se croiseront jamais : elles sont parallèles entre elles. Il s'agit d'une perspective linéaire AXONOMÉTRIQUE, lorsque des objets, notamment peu allongés en profondeur, sont représentés avec des côtés parallèles entre eux.
Pourquoi Rublev a-t-il représenté des objets de cette manière ?
L'académicien B. V. Raushenbakh dans les années 80 du XXe siècle a étudié les caractéristiques de la vision humaine et a attiré l'attention sur une caractéristique. Lorsque nous nous tenons très près d'un objet, nous le percevons dans une légère perspective inversée, ou bien nous ne remarquons aucun changement de perspective. Cela signifie que soit le côté de l'objet le plus proche de nous semble légèrement plus petit que celui qui est éloigné, soit ses côtés sont perçus comme étant les mêmes. Tout cela s'applique également à la perspective d'observation.
D'ailleurs, c'est pourquoi les enfants dessinent souvent des objets en perspective inversée. Et ils perçoivent aussi plus facilement les dessins animés avec un tel espace ! Vous voyez : les objets des dessins animés soviétiques sont représentés de cette manière.
Les artistes ont intuitivement deviné cette caractéristique de la vision bien avant la découverte de Rauschenbach.
Ainsi, le maître du XIXe siècle a construit l'espace, semble-t-il, selon toutes les règles de la perspective linéaire directe. Mais faites attention à la pierre au premier plan. Il est représenté dans une légère perspective inversée !
L'artiste utilise à la fois des perspectives directes et inversées dans une œuvre. Et en général, Rublev fait de même !
Si le premier plan de l'icône est représenté dans le cadre d'une perspective d'observation, alors à l'arrière-plan de l'icône, le bâtiment est représenté selon les règles de ... la perspective directe!
Comme l'ancien maître, Rublev travaillait intuitivement. Par conséquent, il y a deux lignes d'yeux. Nous regardons les colonnes et l'entrée du portique du même niveau (ligne oculaire 1). Mais sur la partie plafond du portique - de l'autre (ligne des yeux 2). Mais cela reste une perspective directe.
Passons maintenant au 100ème siècle. À ce stade, la perspective linéaire avait été très bien étudiée : plus de XNUMX ans s'étaient écoulés depuis l'époque de Léonard. Voyons comment il était utilisé par les artistes de cette époque.
Jean Vermeer. Cours de musique
Il est clair que les artistes du XVIIe siècle maîtrisaient déjà magistralement la perspective linéaire.
Voyez comme le côté droit du tableau de Jan Vermeer (à droite de l'axe vertical) est plus petit que le gauche ?
Si dans la "Cène" de Léonard de Vinci, la ligne verticale est exactement au milieu, alors chez Vermeer, elle se déplace déjà vers la droite. Par conséquent, la perspective de Leonardo peut être appelée CENTRAL et Vermeer - SIDE.
En raison de cette différence, chez Vermeer, nous voyons deux murs de la pièce, chez Leonardo - trois.
En effet, depuis le XVIIe siècle, les lieux sont souvent représentés de cette manière, à l'aide d'une perspective linéaire LATÉRALE. Par conséquent, les pièces ou les couloirs semblent plus réalistes. La centralité de Léonard est beaucoup plus rare.
Mais ce n'est pas la seule différence entre les perspectives de Léonard et de Vermeer.
Dans La Cène, on regarde directement la table. Il n'y a pas d'autres meubles dans la pièce. Et s'il y avait une chaise sur le côté, jetée en biais par rapport à nous ? En effet, dans ce cas, les lignes prometteuses iraient quelque part au-delà de la fresque...
Oui, dans n'importe quelle pièce, tout, en règle générale, est plus compliqué que celui de Leonardo. Par conséquent, il existe également une perspective ANGULAIRE.
Léonard l'a purement FRONTAL. Son signe n'est qu'un point de fuite, situé dans l'image. Toutes les lignes de perspective s'y rencontrent.
Mais dans la chambre de Vermeer, nous voyons une chaise debout. Et si vous dessinez des lignes prometteuses le long de son siège, elles se connecteront quelque part en dehors de la toile !
Et maintenant attention au sol chez Vermeer !
Si vous tracez des lignes le long des côtés des carrés, les lignes convergeront ... également en dehors de l'image. Ces lignes auront leurs propres points de fuite. Mais! Chacune des lignes sera sur la même ligne d'horizon.
Ainsi, Vermeer relie la perspective frontale à la perspective angulaire. Et la chaise est également représentée à l'aide d'une perspective angulaire. Et ses lignes de perspective convergent en un point de fuite sur une même ligne d'horizon. Quelle beauté mathématique !
En général, en utilisant la ligne d'horizon et les points de fuite, il est très facile de dessiner n'importe quel étage dans une cage. C'est ce qu'on appelle la grille de perspective. Il s'avère toujours très réaliste et spectaculaire.
Et c'est de cet étage qu'il est toujours aisé de comprendre que le tableau a été peint avant l'époque de Léonard. Car sans savoir construire une grille de perspective, le sol semble toujours bouger quelque part. En général, pas très réaliste.
Passons maintenant au suivant, le XVIIIe siècle.
Jean-Antoine Watteau. Enseigne de la boutique Gersin.
Au XVIIIe siècle, la perspective linéaire est maîtrisée à la perfection. Cela se voit clairement dans l'exemple de l'œuvre de Watteau.
Espace parfaitement conçu. Un tel plaisir de travailler avec. Toutes les lignes de perspective se connectent à un point de fuite.
Mais il y a un détail très intéressant dans l'image...
Faites attention à la case dans le coin gauche. Dans celui-ci, un employé de la galerie met une photo pour l'acheteur.
Si vous dessinez des lignes de perspective le long de ses deux côtés, elles se connecteront sur ... une ligne d'yeux différente!
En effet, un côté de celui-ci est à angle vif, et l'autre est presque perpendiculaire à la ligne des yeux. Si vous avez vu cela, vous ne pourrez pas ignorer cette étrangeté.
Alors pourquoi l'artiste est-il allé à une violation aussi flagrante des lois de la perspective linéaire ?
Depuis l'époque de Léonard, on sait que la perspective linéaire peut déformer considérablement l'image des objets au premier plan (où les lignes de perspective vont au point de fuite à un angle particulièrement aigu).
C'est facile à voir dans ce dessin du XVIe siècle.
Les bases des colonnes de droite sont carrées (avec des côtés égaux). Mais du fait de la forte inclinaison des lignes de la grille de perspective, l'illusion est créée qu'elles sont rectangulaires ! Pour la même raison, les colonnes, de diamètre rond, à gauche paraissent ellipsoïdales.
En théorie, les sommets arrondis des colonnes de gauche devraient également être déformés et se transformer en ellipsoïdes. Mais l'artiste les a représentés comme ronds, en utilisant une perspective d'observation.
De même, Watteau est allé sur une violation des règles. S'il avait tout fait correctement, la boîte se serait avérée trop étroite à l'arrière.
Ainsi, les artistes sont revenus à la perspective d'observation et se sont concentrés sur la façon dont le sujet aurait l'air plus organique. Et délibérément allé à certaines violations des règles.
Passons maintenant au XIXe siècle. Et cette fois, voyons comment l'artiste russe Ilya Repine a combiné les perspectives linéaires et observationnelles.
Ilya Répine. N'a pas attendu.
À première vue, l'artiste a construit l'espace selon le schéma classique. Seule la verticale est décalée vers la gauche. Et si vous vous souvenez, les artistes après l'époque de Léonard ont essayé d'éviter un centrage excessif. Dans ce cas, il est plus simple de "placer" les héros le long du mur de droite.
A noter également que les têtes des deux personnages principaux, le fils et la mère, se retrouvent dans des angles de perspective. Ils sont formés par des lignes de perspective courant le long des lignes de plafond jusqu'au point de fuite. Cela met l'accent sur la relation particulière et même, pourrait-on dire, sur la relation des personnages.
Et voyez aussi avec quelle intelligence Ilya Repin résout le problème des distorsions de perspective en bas de l'image. À droite, il place des objets arrondis. Ainsi, il n'est pas nécessaire d'inventer quoi que ce soit avec les coins, comme Watteau a dû le faire avec sa boîte.
Et Repin fait un autre pas intéressant. Si nous traçons des lignes de perspective le long des planches, nous obtenons quelque chose de bizarre !
Ils ne se rejoindront pas en un seul point de fuite !
L'artiste a délibérément opté pour l'utilisation de la perspective d'observation. Dès lors, l'espace semble plus intéressant, pas si schématique.
Et maintenant nous passons au XNUMXe siècle. Je pense que vous devinez déjà que les maîtres de ce siècle n'ont pas particulièrement tenu à cérémonial avec l'espace. On s'en convaincra par l'exemple de l'œuvre de Matisse.
Henri Matisse. Atelier rouge.
Déjà à première vue, il est clair qu'Henri Matisse a représenté l'espace d'une manière particulière. Il s'est clairement écarté des canons formés à la Renaissance. Oui, Watteau et Repin ont également fait quelques inexactitudes. Mais Matisse a clairement poursuivi d'autres objectifs.
Il est immédiatement évident que Matisse montre certains des objets en perspective directe (table) et d'autres à l'envers (chaise et commode).
Mais les fonctionnalités ne s'arrêtent pas là. Dessinons les lignes de perspective de la table, de la chaise et de l'image sur le mur de gauche.
Et puis on trouve tout de suite TROIS horizons. L'un d'eux est en dehors de l'image. Il y a aussi TROIS verticales !
Pourquoi Matisse complique-t-il tant les choses ?
Veuillez noter qu'au début, la chaise a l'air étrange. Comme si nous regardions la barre transversale supérieure de son dos depuis la gauche. Et pour le reste de la partie - à droite. Maintenant, regardez les objets sur la table.
Le plat repose comme si nous le regardions d'en haut. Les crayons sont légèrement inclinés vers l'arrière. Mais on voit un vase et un verre de côté.
On peut noter les mêmes bizarreries dans la représentation des peintures. Ceux qui sont suspendus nous regardent droit dans les yeux. Comme l'horloge grand-père. Mais les tableaux contre le mur sont représentés un peu de côté, comme si on les regardait du coin droit de la pièce.
Il semble que Matisse n'ait pas voulu que nous examinions la pièce d'un seul endroit, d'un seul angle. Il semble nous conduire dans la pièce !
Nous allâmes donc à table, nous penchâmes sur le plat et l'examinâmes. J'ai fait le tour de la chaise. Ensuite, nous sommes allés au mur du fond et avons regardé les peintures qui sont accrochées. Puis ils ont baissé leur regard vers la gauche, vers les œuvres posées au sol. Etc.
Il s'avère que Matisse n'a pas brisé la perspective linéaire ! Il a simplement représenté l'espace sous différents angles, à différentes hauteurs.
D'accord, c'est fascinant. Comme si la pièce prenait vie, nous enveloppait. Et la couleur rouge ici ne fait que renforcer cet effet. La couleur aide l'espace à nous attirer...
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Cela se passe toujours ainsi. Tout d'abord, les règles sont créées. Puis ils commencent à les casser. Timide au début, puis plus audacieux. Mais ce n'est bien sûr pas une fin en soi. Cela contribue à transmettre la vision du monde de son époque. Pour Léonard, c'est le désir d'équilibre et d'harmonie. Et pour Matisse - mouvement et monde lumineux.
A propos des secrets de la construction de l'espace - dans le cours "Journal d'un critique d'art".
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Un merci spécial pour l'aide à la rédaction de l'article à Sergey Cherepakhin. C'est sa capacité à traiter les nuances des constructions de perspective en peinture qui m'a inspiré pour créer ce texte. Il est devenu son co-auteur.
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Cours d'art en ligne
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