Archives d'art Artiste en vedette : Lawrence W. Lee

Rencontrez l'artiste des archives d'art. Véritable original, surtout connu pour son imagerie chamanique distinctive, Lawrence peint pour les fans d'art du sud-ouest depuis son studio en Arizona. Sa marque forte et immédiatement reconnaissable n'est pas fortuite. Cet homme d'affaires avisé comprend son public et va à la rencontre de ses goûts. Le travail de Lawrence reflète les couleurs et les thèmes du sud-ouest américain dans toute sa mystique et sa magie. Cette approche intelligente et stratégique de l'art a permis à Lawrence de gagner sa vie uniquement en tant qu'artiste depuis 1979, vendant des millions de dollars de peintures.

Source inépuisable de conseils de carrière artistique inestimables, Lawrence partage comment il crée l'art que les acheteurs veulent, que ce soit en recherchant soigneusement sa clientèle ou en faisant évoluer son style à mesure que le marché change.

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1. IMAGES DE CHAMANS ET IMAGES DU SUD-OUEST DE L'AMÉRIQUE DANS VOS ŒUVRES. D'OÙ TIREZ-VOUS L'INSPIRATION ET COMMENT LES LIEUX QUE VOUS AVEZ VÉCU ONT-ILS AFFECTÉ VOTRE STYLE ?

J'ai vécu la majeure partie de ma vie à Tucson, en Arizona. J'ai déménagé ici quand j'avais 10 ans et je suis allé à l'université de la Northern Arizona University. Là, j'ai appris à connaître un peu la culture Navajo et Hopi. Quand j'étais étudiant diplômé, mon colocataire était un Hopi né à Second Mesa et qui avait encore une femme et un enfant. De temps en temps, lui et moi montions dans sa vieille camionnette et traversions les plaines du nord de l'Arizona aux premières heures brumeuses du matin à travers les endroits les plus magiques. Sa femme a eu la gentillesse de partager avec moi des histoires de la tradition Hopi, comme l'histoire de la femme araignée qui a enseigné aux gens comment tisser. Je ne sais pas si c'était la raison immédiate de ce que je fais, mais je n'oublierai jamais le sentiment qui m'a traversé alors que nous traversions ces tronçons de route désertiques avec des mesas violettes au loin, comme la première teinte dorée du soleil. commencé à envahir notre environnement. L'image est si forte qu'elle m'est restée pendant des décennies.

Quand j'ai commencé à montrer mon art, je dessinais des images de personnes. Je pensais que je faisais de grandes choses, mais les gens dans les expositions d'art disaient : "Pourquoi voudrais-je que quelqu'un que je ne connaisse pas accroché à mon mur ?" Autant que j'ai argumenté, je ne pouvais tout simplement pas vendre la peinture. Je me souviens - à travers le brouillard des décennies - que j'étais dans mon salon en train de déplorer ce triste état des choses et de regarder une photo de profil d'une femme que j'ai obtenue d'une galerie. J'étais dans le sud-ouest, j'ai donc décidé d'ajouter un peu de sud-ouest à la photo. J'ai mis le stylo dans ses cheveux et j'ai ramené le tableau à la galerie. Vendu en une semaine. La leçon de cet incident était qu'évidemment - dès que j'ajoutais quelque chose comme les Indiens d'Amérique - l'image devenait désirable. J'ai réalisé que les gens qui viennent à Tucson, qu'ils soient de passage ou vivants, ont beaucoup à voir avec la culture amérindienne. Je devais prendre une décision maintenant que j'avais découvert que je pouvais transformer une peinture non désirée en une partie d'une culture romancée que les gens pourraient emporter chez eux. J'ai dû accepter si je voulais suivre cette voie ou non, et j'ai décidé que cela en valait la peine. En ajoutant des plumes, des perles et des colliers en os, je pouvais dessiner des images des personnes que je voulais dessiner, et cela semblait être un petit prix à payer. L'équipement a amélioré les figures que j'ai faites et est devenu une partie intégrante de ma réflexion sur ces figures, et pas seulement un moyen d'augmenter la vénalité. Je gagne beaucoup d'argent depuis 1979 et j'ai vendu pour des millions de dollars de peintures.

2. LA PLUPART DE VOTRE TRAVAIL EST UN FLOU ENTRE RÉALISME ET ABSTRACTION. POURQUOI MÉLANGEZ-VOUS LES ÉLÉMENTS ET COMMENT AVEZ-VOUS DÉCOUVERT VOTRE DIFFÉRENT STYLE ?

Je suis allé à l'université dans les années 1960, et dans les années 1960, si vous vous prépariez à un baccalauréat en beaux-arts, vous deviez faire un travail abstrait ou non objectif. L'œuvre figurative était perçue comme antiquaire, elle n'était pas assez moderne. Tout ce qui devait être dit sur la figure humaine avait déjà été dit et n'avait plus d'importance. J'ai dessiné d'après nature comme tout le monde, mais je n'ai pas fait de travail figuratif significatif car je serais ridiculisé en classe et je n'obtiendrais pas mon diplôme. Mais immédiatement après l'obtention de mon diplôme, j'ai reçu une commande du bibliothécaire en chef de la Northern Arizona University pour faire six peintures pour une nouvelle bibliothèque en construction. Je venais de terminer mon baccalauréat ès arts et je n'avais pas à me soucier de plaire au professeur. J'ai donc décidé de créer des images figuratives librement inspirées du poème Kubla Khan de Coleridge.

C'était le début, et je pense que j'ai toujours eu une nature excentrique. Au fil des années, les personnages ont pris une vie propre. Structurellement, ils sont devenus des figures anatomiquement impossibles, que j'appelle presque humaines. J'ai récemment eu l'occasion de regarder certaines des choses que j'ai faites à l'université et peu après l'obtention de mon diplôme. J'ai été stupéfait de voir de petits cercles, des bulles, des volutes, des volutes et des personnages qui étaient trop grands et avaient des épaules trop étroites ou trop larges. Je n'avais aucune idée que ces idées s'infiltraient dans mon esprit artistique il y a toutes ces années. Je ne savais pas que je chantais la même chanson tout ce temps, en ajoutant simplement de nouveaux mots et de nouveaux couplets.

3. QU'EST-CE QUI EST UNIQUE DANS VOTRE ESPACE STUDIO OU VOTRE PROCESSUS CRÉATIF ?

On dit souvent que la ligne la plus importante dans un dessin est la première ligne, car tout le reste y est lié. J'utilise un petit bâton de charbon de bois de vigne. La vigne ne se transforme pas en cendre, mais se transforme en un bâton de charbon de bois lorsqu'elle est brûlée, s'il n'y a pas assez d'oxygène pour une combustion complète. J'ai utilisé d'autres matériaux mais j'ai commencé à utiliser celui-ci au collège. Je l'utilise pour créer la première ligne et jusqu'à la fin du dessin. Si quelqu'un venait la nuit et volait mon charbon de bois à la vigne, je ne pourrais pas peindre un autre tableau. C'est l'outil que je connais le mieux. Lorsque vous utilisez quelque chose pendant des décennies, cela devient une extension de vous-même.

Lorsque les choses changent, comme lorsque les fabricants de toiles changent de fournisseur de coton, ou lorsqu'ils étirent la toile différemment ou utilisent un nouvel apprêt, il me faut des semaines pour m'adapter et parfois je ne peux pas. Parfois, je dois le poncer ou ajouter plus de couches de plâtre. Pendant des années, j'ai utilisé le même pinceau, le même numéro et le même style pour signer mon nom sur mes peintures. C'était une extension de ma main. Quand j'ai recommencé à peindre après ma retraite, je ne trouvais plus ces pinceaux. Je peins depuis maintenant deux ans et j'ai encore du mal à écrire mon nom car le pinceau n'est plus le même. Il me rend fou. J'esquisse également - à l'aide d'un pinceau sec, ce qui laisse un peu de couleur électronique dans les vallées du tissage. C'est vraiment du gommage, et quand tu frottes avec une brosse, tu perds le sens. Il s'use. Les pinceaux que j'aime le plus me conviennent parfaitement. Si je devais commencer avec des pinceaux rebondissants pointus, je ne serais pas capable de faire ce que je fais.

4. VOUS SERVEZ DES ACHETEURS D'ART RÉSIDENTIELS ET PUBLICS. COMMENT CELA A-T-IL AFFECTÉ VOTRE CARRIÈRE ET COMMENT AVEZ-VOUS PERÇU DANS L'ART PUBLIC ?

La séparation du public et du privé sur mon site Web est une conception que j'ai décidé d'utiliser il y a quelques mois, malgré le fait que les sociétés et les entreprises achètent mon travail depuis des années. IBM a acheté six de mes pièces entre le milieu et la fin des années 1970. De nombreuses entreprises et lieux publics en ont acheté. Les acheteurs devaient être très courageux car mes peintures sont intenses et conflictuelles. J'ai appris à l'université qu'il ne fallait pas centrer sa composition ou utiliser du noir. Mais je devais ignorer ces règles pour pouvoir faire ce qui me passait par la tête - ces créatures conflictuelles. Dans les années 1970, alors que ma carrière prenait son envol, ma clientèle principale était les promoteurs immobiliers capricieux, très riches et très opiniâtres du Sud-Ouest. Ils achetaient souvent mes tableaux et plaçaient les plus forts d'entre eux à leur table pour augmenter leur pouvoir et intimider quiconque se trouvait devant la table. Au début des années 1980, il y a eu une crise de l'épargne et du crédit, comme les crises bancaires que nous venons de vivre. Les gens ont joué vite et négligemment selon les règles. Soudain, ces développeurs multimillionnaires étaient sans le sou et en fuite du ministère de la Justice.

Tout d'un coup, mes ventes ont presque disparu. Mais je savais que l'argent n'était allé nulle part : quelqu'un d'autre l'avait. Et j'ai décidé que maintenant cela devrait être entre les mains des avocats des développeurs. Alors j'ai pensé à ce que les avocats veulent dans leurs bureaux. Ils voudront quelque chose qui regarde vers un avenir brillant et une grande colonie. J'ai fait de mon mieux pour satisfaire mon désir imaginaire de la part des avocats et j'ai inversé mes numéros. Je les ai dessinés de dos. Je pourrais le faire car toutes sortes de cérémonies indiennes impliquent de magnifiques costumes. Ils attendaient clairement quelque chose, et c'était censé être un avenir radieux. Dès que j'ai fait cela, mes peintures ont recommencé à se vendre. Après quelques années et après que suffisamment de personnes aient demandé, j'ai récupéré mes numéros.

5. POURQUOI AVEZ-VOUS COMMENCÉ À PEINDRE DES PAYSAGES ET DES NATURE MORTES D'APRES LES CHAMANS PRESQUE EXCLUSIVEMENT PEINTS ?

Mes peintures sont très intenses et presque toutes ont un contact visuel conflictuel. Dans de nombreux cas, les gens pensent qu'ils ne conviennent pas aux espaces publics, alors pour la première fois en 40 ans, je fais à nouveau des paysages. J'ai découvert des parties de moi-même que je devais refouler au fur et à mesure que je poursuivais une carrière. Je dois convaincre les gens qu'il n'y a rien de mal à aimer Lawrence Lee, qui n'est pas un quasi-Indien chamanique prononcé. Depuis 1985, je suis artiste et membre du club privé Mountain Oyster. Il a été fondé en 1948 par un groupe de jeunes joueurs de polo fortunés qui ont décidé qu'ils devaient posséder leur propre établissement. Ils aimaient l'art du sud-ouest, en particulier l'art des cow-boys. Ils ont lancé une exposition d'art annuelle pour collecter des fonds, et elle a connu un tel succès qu'elle a attiré certains des meilleurs artistes et cow-boys du Sud-Ouest. Si vous n'aviez pas de travail sur MO, vous n'étiez rien.

Dans les années 1980, la plupart des membres fondateurs sont partis ou sont décédés, et un gars décidait qui assumerait la série. Vous deviez vous placer dans le champ de vision de ce type pour qu'il puisse vous appeler et venir dans votre studio. À ce stade, il prendra la décision finale. Ils ont un spectacle annuel qui est toujours très bon mais surtout un travail de cow-boy. Mais mon travail a toujours été trop gros et trop bizarre. Je n'ai jamais compris pourquoi il avait décidé de me laisser entrer. Alors cette année, j'ai décidé de faire des choses très spéciales pour les gens qui vont au MoD chaque année. Cela m'a fait penser aux bottes et aux éperons. Je dois appliquer ma capacité artistique à ce sujet particulier. Dans toutes ces parties, je prends un sous-ensemble des formes plus grandes. Je peux me concentrer sur le bas de la botte, l'étrier ou l'éperon de la selle parce que je pense que oui. J'essaie généralement d'incorporer une certaine dissonance cognitive dans mon travail, comme une bulle ou un papillon, et je ne sais jamais ce qui va arriver ensuite. Entrer dans ce domaine était une décision commerciale et est né de la conviction que, tard dans ma carrière, je pouvais peindre de bonnes images qui n'étaient pas chamaniques.

6. VOTRE ART EST COLLECTIONNÉ PARTOUT DANS LE MONDE DANS DES LIEUX COMME LE JAPON, LA CHINE ET DANS TOUTE L'EUROPE. QUELLES ÉTAPES AVEZ-VOUS SUIVIES POUR VENDRE DE L'ART À L'EXTÉRIEUR DES ÉTATS-UNIS ET OBTENIR UNE RECONNAISSANCE INTERNATIONALE ?

Dans l'ensemble, je n'ai pas eu à faire un seul pas en dehors de Tucson pour le faire, car c'est un endroit pour les voyageurs du monde entier à part entière. L'Arizona a Monument Valley, le Grand Canyon et Old Pueblo. Les gens viennent ici du monde entier et veulent ramener un peu de magie chez eux, donc mon art est parfait. J'apprends par des galeries ou des amis d'amis qu'un collectionneur étranger possède une de mes œuvres. Quelqu'un dira : « Au fait, cette galerie envoie une de vos œuvres à une personne à Shanghai. Dans une large mesure, c'est ce qui s'est passé. J'ai eu une exposition personnelle à Paris, mais même c'était parce qu'une créatrice de mode parisienne qui était en vacances à Tucson m'a contactée parce qu'elle voulait montrer mon travail là-bas.

7. VOUS AVEZ ÉTÉ À UN NOMBRE IMPRESSIONNANT D'EXPOSITIONS MAJEURES. COMMENT PRÉPAREZ-VOUS CES ÉVÉNEMENTS ET QUELS CONSEILS DONNEZ-VOUS AUX AUTRES ARTISTES ?

Une chose que beaucoup d'artistes ne comprennent pas, c'est que les gens veulent généralement acheter des œuvres d'art qui vivront chez eux avec eux. Dans des régions en dehors de New York, Los Angeles, Bruxelles, etc., si vous réalisez une œuvre d'art conceptuelle qui est une déclaration de dévolution humaine représentée par des vers en mousse caoutchoutés suspendus au plafond au-dessus de bassins pour bébés remplis de café sucré artificiellement. , vous ne trouverez probablement personne pour l'acheter pour sa maison. Vous devez comprendre que si vous voulez gagner votre vie en faisant ce genre de choses, vous devez déménager dans une ville qui accepte ce genre d'art. Mon conseil : regardez votre art comme si vous étiez un acheteur potentiel. Si vous faites cela, vous pourrez comprendre beaucoup de choses.

Il y a des années, j'exposais à San Francisco et je ne pouvais rien vendre. J'étais déprimé jusqu'à ce que j'y pense et que je fasse une recherche approfondie. J'ai trouvé que dans la plupart des maisons appartenant à des personnes qui pouvaient acheter mon travail, les murs étaient trop petits pour cela. Si j'habitais à San Francisco, je le saurais presque instinctivement. Si je vis dans une vieille maison victorienne de trois étages près de Union Square, quel genre de choses aimerais-je mettre sur mes murs ? À Tucson, la plupart des gens veulent des choses avec une touche sud-ouest sur leurs murs, à moins qu'ils ne soient nés et aient grandi à Boston et qu'ils veuillent apporter leurs voiliers. Il est important de connaître les endroits où vivent vos acheteurs potentiels. Si vous êtes un acheteur potentiel, que voudriez-vous savoir sur l'artiste ? Si vous vous posez des questions sur un artiste, vos acheteurs potentiels se poseront les mêmes questions sur vous. En d'autres termes, faites de votre mieux pour savoir ce que veulent vos acheteurs potentiels et essayez de le leur donner.

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