Archives d'art Artiste en vedette : Ann Kullough

Rencontrez l'artiste des archives d'art. Artiste de natures mortes et de paysages visuellement attrayants, Anne s'efforce d'illustrer plus qu'il n'y paraît. Son style dynamique captive les spectateurs, leur faisant regarder deux fois des scènes et des objets ordinaires.

Cette passion anime son travail et alimente à son tour sa brillante carrière d'enseignante et ses comptes populaires sur les réseaux sociaux. De la promotion de ses ateliers à la dernière minute à la présentation de ses techniques, Ann montre magistralement comment l'enseignement et les médias sociaux complètent une stratégie d'entreprise artistique.

Convaincue que la vente de travail n'est que le début, elle partage ses conseils de marketing sur les réseaux sociaux et ce qu'elle enseigne à ses élèves sur la façon d'être une artiste en dehors de l'école.

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Allez à l'intérieur (et à l'extérieur) de l'atelier de l'artiste.

1. LES NATURE MORTES ET LES PAYSAGES SONT ESSENTIELS DANS VOS ŒUVRES. QU'EST-CE QUI VOUS INSPIRE DANS CES THÈMES ET COMMENT EN VENEZ-VOUS À VOUS CONCENTRER SUR EUX ?

Je trouve des choses visuellement intéressantes qui peuvent ne pas avoir de signification visuelle. Je regarde le monde d'un point de vue abstrait. Je travaille de la même manière quel que soit le sujet. Comme je préfère dessiner d'après nature plutôt qu'à partir de photographies, je choisis souvent la nature morte comme sujet. J'utilise également la nature morte comme moyen d'enseigner à mes étudiants l'importance de l'observation directe (travail d'après nature) comme moyen de développer un œil entraîné.

Je regarde ce que je peux obtenir de chaque article, pas seulement ce que c'est. Je veux créer quelque chose qui soit agréable à regarder ; quelque chose de spontané, de vif, qui fait beaucoup bouger l'œil. Je veux que le spectateur le regarde plus d'une fois. Je veux que mon travail montre plus que ce qu'il est.

Je dessine depuis que je suis enfant, j'ai étudié l'art à l'université et j'ai toujours regardé les choses uniquement d'un point de vue visuel. Je recherche des formes intéressantes, des éclairages et tout ce qui me donne envie de regarder un objet une seconde fois. C'est ce que je dessine. Ils ne sont peut-être pas uniques ou nécessairement beaux, mais j'essaie de montrer ce que je vois en eux qui les rend uniques pour moi.

2. VOUS TRAVAILLEZ DANS DIVERS MATÉRIAUX (AQUARELLE, BOUCHE, ACRYLIQUE, HUILE, ETC.), CE QUI PERMET DE RENDRE L'ART RÉALISTE ET IMPRESSIONNISTE. QUELS OUTILS AIMEZ-VOUS UTILISER ET POURQUOI ?

J'aime tous les environnements pour différentes applications et pour différentes raisons. J'aime l'aquarelle quand il s'agit d'expression. J'aime bien choisir le sujet, puis utiliser la couleur, la texture et les traits pour le faire passer au niveau supérieur.

L'aquarelle est si imprévisible et si fluide. J'aime le voir comme une série de réactions alors que j'enregistre chaque coup. Contrairement à la plupart des aquarellistes, je ne dessine pas d'abord mon sujet au crayon. Je déplace la peinture pour créer les images que je veux. Je n'utilise pas non plus la technique de l'aquarelle, je peins au pinceau - parfois en un seul ton, parfois en couleur. Il s'agit de dessiner le sujet sur papier, mais en même temps de prêter attention à ce que fait le médium.

La façon dont vous appliquez la peinture sur la toile ou le papier est tout aussi importante, sinon plus importante, que le sujet. Je pense que l'artiste devrait commencer avec une grande structure en termes de dessin global et de composition, mais il doit apporter plus à la table et montrer au spectateur comment percevoir l'objet.

Ce qui rend quelque chose d'unique, ce qui donne envie de le regarder, est intangible. Il s'agit plus du geste et du moment que des petits détails minutieux. C'est toute l'idée de spontanéité, de lumière et de vibration que je souhaite insuffler dans mon travail.

3. COMMENT DÉCRIRIEZ-VOUS VOS MÉTHODES EN TANT QU'ARTISTE ? VOUS PRÉFÉREZ TRAVAILLER EN STUDIO OU ÊTRE À L'EXTÉRIEUR ?

Je préfère toujours travailler de la vie dans la mesure du possible. Si je suis à l'intérieur, je mettrai une nature morte. Je dessine absolument des natures mortes d'après nature, parce qu'on en voit plus. Ceci est plus difficile et entraîne l'œil à voir ce que vous regardez. Plus vous tirez de la vie, plus vous atteindrez de profondeur et deviendrez un meilleur dessinateur.

J'aime travailler sur place autant que possible car j'aime travailler à l'extérieur. Si je suis à l'intérieur, je dessine généralement ma pièce sur la base de recherches effectuées sur place, combinées à des photographies très rapides. Mais je m'appuie davantage sur la recherche que sur les photographies - les photographies ne sont qu'un point de départ. Ils sont plats et il ne sert à rien d'y être. Je ne peux pas être là quand je travaille sur une grande pièce, mais je dessine dans mon carnet de croquis - j'adore les croquis à l'aquarelle - et je les emmène dans mon atelier.

Dessiner d'après nature est très important, surtout pour ceux qui commencent tout juste à dessiner. Si vous dessinez depuis longtemps, vous avez suffisamment d'expérience pour prendre une photo et la transformer en quelque chose de plus. Un artiste novice va chercher une copie. Je n'approuve pas de travailler avec des photographies et je pense que les artistes devraient supprimer le mot "copier" de leur vocabulaire. Les photos ne sont qu'un point de départ.

4. QUOI DES RÉPONSES MÉMORABLES ONT VOUS AVEZ VOTRE TRAVAIL ?

J'entends souvent les gens dire : "Wow, c'est tellement vivant, tellement brillant, ça a une vraie énergie." Les gens disent de mes paysages urbains : « Je pourrais entrer directement dans l'image ». De telles réponses me font très plaisir. C'est vraiment ce que je veux dire avec mon travail.

Les intrigues sont très vivantes et pleines d'énergie - le spectateur devrait avoir envie de les explorer. Je ne veux pas que mon travail ait l'air statique, je ne veux pas qu'il ressemble à une photographie. Je veux entendre qu'il y a "tellement de mouvement" dedans. Si vous vous en éloignez, cela forme une image. Si vous regardez bien, c'est un mélange de couleurs. Lorsque vous avez les valeurs et la couleur aux bons endroits, c'est là que la magie opère. C'est ça la peinture.

Vous devrez préparer un bloc-notes et un crayon pour ces astuces artistiques intelligentes (ou boutons de signet).

5. VOUS AVEZ UN SUPER BLOG, PLUS DE 1,000 3,500 ABONNÉS INSTAGRAM ET PLUS DE XNUMX XNUMX FANS FACEBOOK. QU'EST-CE QUI INFLUENCE VOS POSTES CHAQUE SEMAINE ET COMMENT LES MÉDIAS SOCIAUX ONT-ILS AIDÉ VOTRE ENTREPRISE ARTISTIQUE ?

Je ne sépare pas mon enseignement de mon activité artistique. Je le considère comme faisant partie intégrante de ce que je fais. Je tire une partie de mes revenus de cours et de master classes, l'autre partie de la peinture. Cette combinaison constitue mon entreprise d'art. J'utilise les médias sociaux pour faire connaître mon travail, le présenter aux gens et atteindre les étudiants potentiels.

Quand j'ai besoin d'une ou deux personnes de plus pour compléter mes ateliers, je poste sur Facebook. J'implique généralement les gens parce que je poste sur les matières enseignées dans la classe. J'ai aussi des gens qui sont des collectionneurs potentiels qui viennent aux salons, donc je cible mes publications sur ma région et les gens viennent. Cela attire des gens que je ne connais pas à exposer dans ma région et contribue certainement à faire connaître mon travail.

J'ai tellement de publications sur les réseaux sociaux parce que chaque fois que je fais une démo, je la poste. Cela donne aux autres artistes et futurs étudiants une idée de ce que j'enseigne, comment j'aborde les matières et combien de travail il faut pour devenir un maître.

Beaucoup de débutants ont hâte d'arriver au niveau où ils savent ce qu'ils font. Ils demandent quand ils seront prêts pour l'exposition dans la galerie. Il faut beaucoup de temps et d'efforts constants pour créer un corpus d'œuvres avant d'envisager des expositions en galerie. J'apprécie combien de travail et d'efforts cela demande vraiment.

Je publie également du contenu éducatif pour d'autres artistes qui essaient de passer au niveau supérieur. Cela les oriente dans la bonne direction et éveille leur intérêt à travailler avec moi dans un futur cours.

Je garde mes articles de blog authentiques et positifs - c'est vraiment important pour moi. Il y a beaucoup de choses qui ne sont pas importantes pour les artistes débutants, donc je veux fournir à ces artistes les bases.

6. VOUS ÊTES UN ENSEIGNANT DU NEW JERSEY FINE ARTS CENTER, DU HUNTERDON ART MUSEUM ET DU CENTER FOR CONTEMPORARY ARTS. EN QUOI CELA S'ADAPTE-T-IL À VOTRE ENTREPRISE D'ART ?

Je fais toujours des démonstrations et considère l'enseignement comme faisant partie de mon activité artistique. Certains de mes meilleurs dessins proviennent de démonstrations lorsque j'enseigne aux étudiants.

J'aime démontrer. Je suis intéressé à fournir aux apprenants des ensembles de compétences qu'ils peuvent utiliser par eux-mêmes. Vous tirez le meilleur parti des cours lorsque l'accent est mis sur l'apprentissage plutôt que sur le temps individuel en studio.

J'utilise mon propre travail comme exemple. J'emmène des étudiants en voyage avec moi. Je commence chaque leçon par une démonstration. J'ai toujours un concept que je mets en évidence dans une démo, comme les couleurs complémentaires, la perspective ou la composition.

Je fais aussi beaucoup d'ateliers en plein air, donc je combine l'atelier avec quelques jours de peinture. Cet été, j'enseigne le pastel et l'aquarelle à Aspen. J'utiliserai la recherche à mon retour pour des projets plus importants.

Je peux parler et dessiner en même temps, ça ne me dérange vraiment pas. Je pense que certaines personnes ont des problèmes avec cela. Il est important que votre démo ait un sens. Parlez-en et gardez-le à l'esprit pour rester concentré. Assurez-vous que c'est un point très important dans ce que vous faites. Évidemment, si je travaille sur une commande, je ne le ferai pas en classe. J'ai fait quelques-unes des grandes pièces en classe et j'ai fait de petites pièces à vendre. Si vous allez enseigner, vous devez être capable de le faire. Les étudiants qui étudient l'art sont des apprenants visuels.

7. QUELLE EST VOTRE PHILOSOPHIE EN TANT QU'ENSEIGNANT ET LEÇON NUMÉRO UN VOULEZ-VOUS QUE VOS ÉLÈVES MEMORISENT ?

Soyez authentique. N'essayez pas d'être quelqu'un d'autre que vous-même. Si vous avez quelque chose de fort, profitez-en. S'il y a des domaines où vous êtes faible, traitez-les. Inscrivez-vous à un cours de dessin ou à un atelier de mélange de couleurs. Reconnaissez le fait que vous devez combattre vos faiblesses et faire de votre mieux avec elles.

Restez fidèle à ce qui vous passionne. J'adore dessiner et j'adore la peinture abstraite, mais je ne me vois jamais devenir un pur artiste abstrait car j'aime trop dessiner. C'est une partie importante pour moi en tant qu'artiste.

Ne décidez pas ce que vous dessinerez de manière plus réaliste pour augmenter les ventes si ce n'est pas ce que vous voulez. Dessinez ce qui vous motive et vous excite le plus. Rien de moins que cela n'est pas votre meilleur travail.

Travaillez sur vos faiblesses et misez sur vos forces. Allez après ce qui vous tient vraiment à cœur et réussissez-y. Ne changez pas pour plaire au marché car vous ne pouvez jamais plaire à tout le monde. C'est pourquoi je ne fais pas beaucoup de commandes. Je ne veux pas dessiner une image d'une autre personne et mettre mon nom dessus. Si vous n'êtes pas intéressé à dessiner quelque chose, ne le faites pas. Mieux vaut s'éloigner de lui que de risquer de ruiner sa réputation d'artiste.

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