Artistes américains. 7 maîtres qui ont surpris le monde

Les artistes américains sont très divers. Quelqu'un était clairement cosmopolite, comme Sargent. Il est américain d'origine, mais a vécu à Londres et à Paris pendant presque toute sa vie d'adulte.

Il y a aussi d'authentiques Américains parmi eux, qui n'ont dépeint que la vie de leurs compatriotes, comme Rockwell.

Et il y a des artistes hors de ce monde, comme Pollock. Ou ceux dont l'art est devenu un produit de la société de consommation. Ceci, bien sûr, concerne Warhol.

Cependant, ils sont tous américains. Épris de liberté, audacieux, brillant. Lisez environ sept d'entre eux ci-dessous.

1.James Whistler (1834-1903)

Whistler peut difficilement être qualifié de véritable Américain. En grandissant, il a vécu en Europe. Et il a passé son enfance du tout ... en Russie. Son père a construit un chemin de fer à Saint-Pétersbourg.

C'est là que le garçon James est tombé amoureux de l'art, visitant l'Ermitage et Peterhof grâce aux relations de son père (alors ils étaient encore des palais fermés au public).

Pourquoi Whistler est-il célèbre ? Quel que soit le style qu'il peint, du réalisme au tonalisme*, il se reconnaît presque immédiatement à deux traits. Couleurs inhabituelles et noms musicaux.

Certains de ses portraits sont des imitations de maîtres anciens. Comme, par exemple, son célèbre portrait "La mère de l'artiste".

L'artiste a créé un travail étonnant en utilisant des couleurs allant du gris clair au gris foncé. Et du jaune.

Mais cela ne signifie pas que Whistler aimait ces couleurs. C'était une personne extraordinaire. Il pouvait facilement apparaître dans la société avec des chaussettes jaunes et un parapluie lumineux. Et c'est alors que les hommes s'habillent exclusivement en noir et gris.

Il a aussi des oeuvres beaucoup plus légères que "Mère". Par exemple, Symphonie en blanc. La photo a donc été appelée par l'un des journalistes de l'exposition. Whistler a aimé l'idée. Depuis lors, il a appelé presque toutes ses œuvres de manière musicale.

Mais alors, en 1862, le public n'aimait pas la Symphonie. Encore une fois, à cause des schémas de couleurs idiosyncratiques de Whistler. Il semblait étrange aux gens d'écrire une femme en blanc sur un fond blanc.

Sur la photo, nous voyons la maîtresse rousse de Whistler. Tout à fait dans l'esprit des préraphaélites. Après tout, l'artiste était alors ami avec l'un des principaux initiateurs du préraphaélisme, Gabriel Rossetti. Beauté, lys, éléments insolites (peau de loup). Tout est comme il se doit.

Mais Whistler s'est rapidement éloigné du préraphaélisme. Car ce n'était pas la beauté extérieure qui comptait pour lui, mais l'humeur et les émotions. Et il a créé une nouvelle direction - le tonalisme.

Ses paysages nocturnes dans le style du tonalisme ressemblent vraiment à de la musique. Monochrome, visqueux.

Whistler lui-même a déclaré que les noms musicaux aident à se concentrer sur la peinture elle-même, les lignes et la couleur. En même temps, sans penser au lieu et aux personnes qui sont représentées.

Tonalisme, ainsi que près de lui impressionnisme, au milieu du XIXe siècle, le public n'était pas non plus impressionné. Trop loin du réalisme en vogue à l'époque.

Mais Whistler aura le temps d'attendre la reconnaissance. À la fin de sa vie, son œuvre sera volontairement achetée.

2. Mary Cassat (1844-1926)

Mary Cassatt est née dans une famille aisée. Elle pourrait vivre une vie insouciante. Se marier et avoir des enfants. Mais elle a choisi une autre voie. S'étant fait vœu de célibat pour le plaisir de peindre.

Elle était amie avec Edgar Degas. Reçu mercredi impressionnistes, à jamais emporté par cette direction. Et sa "Fille au fauteuil bleu" est la première œuvre impressionniste que le public a vue.

Mais personne n'a vraiment aimé la photo. Au XIXe siècle, les enfants étaient représentés comme des anges docilement assis, avec des boucles bouclées et des joues roses. Et voici un enfant qui s'ennuie clairement, assis dans une position trop détendue.

Mais c'est Mary Cassatt, qui n'a jamais eu ses propres enfants, qui a été presque la première à les dépeindre aussi naturels qu'ils le sont.

A cette époque, Cassatt avait un sérieux "défaut". C'était une femme. Elle ne pouvait pas se permettre d'aller seule au parc pour peindre d'après nature. Surtout pour aller dans un café où se réunissaient d'autres artistes. Tout les hommes! Que lui restait-il ?

Écrivez des thés féminins monotones dans des salons avec des cheminées en marbre et des services à thé coûteux. La vie est mesurée et sans cesse ennuyeuse.

Mary Cassatt n'a pas attendu la reconnaissance. Au début, elle a été rejetée pour son impressionnisme et ses peintures soi-disant inachevées. Puis, déjà au 20e siècle, il était nettement « dépassé », puisque l'Art nouveau était à la mode (Klimt) et le fauvisme (Matisse).

Mais elle est restée fidèle à son style jusqu'au bout. Impressionnisme. Pastels tendres. Mères avec enfants.

Pour le plaisir de peindre, Cassatt a abandonné la maternité. Mais sa féminité se manifeste de plus en plus précisément dans des œuvres aussi délicates que Sleeping Child. Il est dommage qu'une société conservatrice l'ait autrefois mise devant un tel choix.

3. John Sargent (1856-1925)

John Sargent était sûr qu'il serait portraitiste toute sa vie. La carrière se passait bien. Les aristocrates faisaient la queue pour lui commander.

Mais une fois que l'artiste a franchi la ligne dans l'opinion de la société. Il nous est aujourd'hui difficile de comprendre ce qu'il y a de si inacceptable dans le film "Madame X".

Certes, dans la version originale, l'héroïne avait omis l'une des bralettes. Sargent l'a "élevée", mais cela n'a pas aidé l'affaire. Les commandes n'ont abouti à rien.

Quel obscène a vu le public? Et le fait que Sargent a dépeint le modèle dans une pose trop confiante. De plus, une peau translucide et une oreille rose sont très éloquentes.

L'image, pour ainsi dire, dit que cette femme à la sexualité accrue n'est pas opposée à accepter la cour d'autres hommes. De plus, être marié.

Malheureusement, derrière ce scandale, les contemporains n'ont pas vu le chef-d'œuvre. Robe sombre, peau claire, pose dynamique - une combinaison simple qui ne peut être trouvée que par les maîtres les plus talentueux.

Mais il n'y a pas de mal sans bien. Sargent a reçu la liberté en retour. Il a commencé à expérimenter davantage l'impressionnisme. Écrire aux enfants dans des situations immédiates. C'est ainsi que l'œuvre "Carnation, Lily, Lily, Rose" est apparue.

Sargent voulait capturer un moment précis du crépuscule. Je ne travaillais donc que 2 minutes par jour lorsque l'éclairage était bon. A travaillé en été et en automne. Et quand les fleurs se sont fanées, il les a remplacées par des fleurs artificielles.

Au cours des dernières décennies, Sargent a tellement pris goût à la liberté qu'il a commencé à abandonner complètement les portraits. Bien que sa réputation soit déjà rétablie. Il a même grossièrement congédié une cliente, disant qu'il peindrait sa porte avec plus de plaisir que son visage.

Les contemporains traitaient Sargent avec ironie. Considérant qu'il est obsolète à l'ère du modernisme. Mais le temps a tout remis à sa place.

Aujourd'hui, son travail ne vaut pas moins que le travail des modernistes les plus célèbres. Eh bien, sans parler de l'amour du public et ne rien dire. Les expositions avec son travail sont toujours épuisées.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

Il est difficile d'imaginer un artiste plus populaire de son vivant que Norman Rockwell. Plusieurs générations d'Américains ont grandi avec ses illustrations. Les aimer de tout mon coeur.

Après tout, Rockwell a dépeint des Américains ordinaires. Mais en même temps montrant leur vie du côté le plus positif. Rockwell ne voulait montrer ni des pères méchants ni des mères indifférentes. Et vous ne rencontrerez pas d'enfants malheureux avec lui.

Ses œuvres sont pleines d'humour, de couleurs juteuses et d'expressions de la vie très habilement capturées.

Mais c'est une illusion que le travail a été confié à Rockwell facilement. Pour créer un tableau, il prenait d'abord jusqu'à une centaine de photographies avec ses modèles pour capter les bons gestes.

Le travail de Rockwell a eu un impact énorme sur l'esprit de millions d'Américains. Après tout, il parlait souvent à l'aide de ses peintures.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, il décide de montrer pour quoi se battent les soldats de son pays. Ayant créé, entre autres, le tableau "Freedom from Want". Sous la forme de Thanksgiving, où tous les membres de la famille, bien nourris et satisfaits, profitent des vacances en famille.

Après 50 ans au Saturday Evening Post, Rockwell est passé au magazine plus démocratique Look, où il a pu exprimer son point de vue sur les questions sociales.

L'œuvre la plus brillante de ces années est "Le problème avec lequel nous vivons".

C'est l'histoire vraie d'une fille noire qui est allée dans une école blanche. Depuis qu'une loi a été adoptée, les gens (et donc les établissements d'enseignement) ne devraient plus être divisés selon des critères raciaux.

Mais la colère des habitants ne connaît pas de bornes. Sur le chemin de l'école, la jeune fille était gardée par la police. Voici un tel moment "de routine" et a montré Rockwell.

Si vous voulez connaître la vie des Américains sous un jour légèrement embelli (comme ils voulaient eux-mêmes la voir), assurez-vous de regarder les peintures de Rockwell.

Peut-être, de tous les peintres présentés dans cet article, Rockwell est-il l'artiste le plus américain.

5.Andrew Wyeth (1917-2009)

Contrairement à Rockwell, Wyeth n'était pas aussi positif. Reclus par nature, il ne cherchait pas à embellir quoi que ce soit. Au contraire, il dépeint les paysages les plus ordinaires et les choses banales. Juste un champ de blé, juste une maison en bois. Mais il a même réussi à discerner quelque chose de magique en eux.

Son œuvre la plus célèbre est Christina's World. Wyeth a montré le sort d'une femme, sa voisine. Paralysée depuis l'enfance, elle a rampé autour de sa ferme.

Il n'y a donc rien de romantique dans cette photo, comme cela pourrait paraître au premier abord. Si vous regardez attentivement, la femme a une maigreur douloureuse. Et sachant que les jambes de l'héroïne sont paralysées, on comprend avec tristesse à quel point elle est encore loin de chez elle.

À première vue, Wyeth a écrit le plus banal. Voici l'ancienne fenêtre de la vieille maison. Un rideau minable qui a déjà commencé à se transformer en lambeaux. Dehors la fenêtre assombrit la forêt.

Mais il y a un mystère dans tout cela. Un autre regard.

Ainsi, les enfants peuvent regarder le monde avec un regard sans ciller. Wyatt aussi. Et nous sommes avec lui.

Toutes les affaires de Wyeth étaient gérées par sa femme. Elle était une bonne organisatrice. C'est elle qui a contacté les musées et les collectionneurs.

Il y avait peu de romance dans leur relation. La musique devait apparaître. Et elle est devenue une Helga simple, mais avec une apparence extraordinaire. C'est ce que l'on voit dans de nombreux ouvrages.

Il semblerait que nous ne voyons qu'une image photographique d'une femme. Mais pour une raison quelconque, il est difficile de s'en détacher. Ses yeux sont trop complexes, ses épaules tendues. Nous, pour ainsi dire, nous tendons intérieurement avec elle. Luttant pour trouver une explication à cette tension.

Dépeignant la réalité dans ses moindres détails, Wyeth l'a magiquement dotée d'émotions qui ne peuvent laisser indifférentes.

L'artiste n'a pas été reconnu pendant longtemps. Avec son réalisme, quoique magique, il ne s'inscrit pas dans les courants modernistes du XXe siècle.

Lorsque les employés du musée achetaient ses œuvres, ils essayaient de le faire discrètement, sans attirer l'attention. Les expositions étaient rarement organisées. Mais à l'envie des modernistes, elles ont toujours été un succès retentissant. Les gens sont venus en masse. Et ils viennent encore.

Découvrez l'artiste avec l'article Le monde de Christine. Le chef-d'œuvre d'Andrew Wyeth."

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Jackson Pollock est impossible à ignorer. Il a franchi une certaine ligne dans l'art, après quoi la peinture ne pouvait plus être la même. Il a montré qu'en art, en général, on peut se passer de frontières. Quand j'ai posé la toile sur le sol et l'ai éclaboussée de peinture.

Et cet artiste américain a commencé par l'abstractionnisme, dans lequel le figuratif est encore perceptible. Dans son œuvre des années 40 "Shorthand Figure", on voit les contours du visage et des mains. Et même des symboles compréhensibles pour nous sous la forme de croix et de zéros.

Son travail a été loué, mais ils n'étaient pas pressés d'acheter. Il était aussi pauvre qu'une souris d'église. Et il a bu sans vergogne. Malgré un mariage heureux. Sa femme admirait son talent et faisait tout pour le succès de son mari.

Mais Pollock était à l'origine une personnalité brisée. Dès sa jeunesse, il était clair d'après ses actions que la mort précoce était son lot.

Ce brisement le conduira à la mort à l'âge de 44 ans. Mais il aura le temps de faire une révolution dans l'art et de devenir célèbre.

Et il l'a fait dans une période de deux ans de sobriété. Il a pu travailler fructueusement en 1950-1952. Il a expérimenté pendant longtemps jusqu'à ce qu'il en arrive à la technique du goutte à goutte.

Étalant une immense toile sur le sol de son cabanon, il en fit le tour, étant pour ainsi dire dans le tableau lui-même. Et pulvérisé ou simplement versé de la peinture.

Ces peintures insolites ont commencé à lui être achetées volontiers pour leur incroyable originalité et nouveauté.

Pollock a été stupéfait par la célébrité et est tombé dans une dépression, ne comprenant pas où aller ensuite. Le mélange mortel d'alcool et de dépression ne lui laissait aucune chance de survie. Une fois, il a pris le volant très ivre. Dernière fois.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Ce n'est que dans un pays avec un tel culte de la consommation, comme en Amérique, que le pop art a pu voir le jour. Et son principal initiateur était, bien sûr, Andy Warhol.

Il est devenu célèbre pour prendre les choses les plus ordinaires et les transformer en une œuvre d'art. C'est ce qui est arrivé à la boîte de soupe de Campbell.

Le choix n'était pas accidentel. La mère de Warhol a nourri son fils avec cette soupe tous les jours pendant plus de 20 ans. Même lorsqu'il a déménagé à New York et a emmené sa mère avec lui.

Après cette expérience, Warhol s'intéresse à la sérigraphie. Depuis lors, il a pris des images de pop stars et les a peintes de différentes couleurs.

C'est ainsi qu'est apparue sa célèbre Marilyn Monroe peinte.

Une myriade de ces couleurs acides Marilyn ont été produites. Art Warhol mis en ligne. Comme prévu dans une société de consommation.

Les visages peints ont été inventés par Warhol pour une raison. Et encore, non sans l'influence de la mère. Enfant, lors d'une longue maladie de son fils, elle lui traînait des paquets de livres à colorier.

Ce passe-temps d'enfance est devenu quelque chose qui est devenu sa carte de visite et l'a rendu fabuleusement riche.

Il a peint non seulement des stars de la pop, mais aussi les chefs-d'œuvre de ses prédécesseurs. Je l'ai et "Vénus" Botticelli.

Vénus, comme Marilyn, a beaucoup fait. L'exclusivité d'une œuvre d'art est « gommée » par Warhol pour la réduire en poudre. Pourquoi l'artiste a-t-il fait cela ?

Pour populariser des chefs-d'œuvre anciens ? Ou, à l'inverse, tenter de les dévaloriser ? Pour immortaliser les pop stars ? Ou pimenter la mort avec ironie ?

Ses œuvres peintes de Madonna, Elvis Presley ou Lénine sont parfois plus reconnaissables que les photos originales.

Mais il est peu probable que les chefs-d'œuvre soient éclipsés. Pourtant, la « Vénus » primordiale reste inestimable.

Warhol était un fêtard passionné, attirant beaucoup de parias. Drogués, acteurs ratés ou tout simplement personnalités déséquilibrées. L'un d'eux lui a tiré dessus une fois.

Warhol a survécu. Mais 20 ans plus tard, suite aux séquelles d'une blessure dont il a été victime, il meurt seul dans son appartement.

creuset américain

Malgré la courte histoire de l'art américain, l'éventail est large. Parmi les artistes américains, il y a des impressionnistes (Sargent), des réalistes magiques (Wyeth), des expressionnistes abstraits (Pollock) et des pionniers du pop art (Warhol).

Eh bien, les Américains aiment la liberté de choix en tout. Des centaines de dénominations. Des centaines de nations. Des centaines de directions artistiques. C'est pourquoi il est le creuset des États-Unis d'Amérique.

* Tonalisme - paysages monochromes de nuances grises, bleues ou brunes, lorsque l'image est comme dans un brouillard. Le tonalisme est considéré comme une ramification de l'impressionnisme, car il transmet l'impression de l'artiste sur ce qu'il a vu.

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